小度找出衣服畫風景圖片

『壹』 在衣服上畫畫有什麼圖片好

畫卡通動漫圖案比較好。
比如海綿寶寶，超人標志，自己喜歡的動漫人物之類的會比較受歡迎。

『貳』 尋找一幅畫的照片

克勞德·莫奈 (Claude Monet,1840-1926)

印象畫派代表人物

印象派運動可以看作是19世紀自然主義傾向的巔峰，也可以看作是現代藝術的起點。
克勞德·莫奈的名字與印象派的歷史密切相連。莫奈對這一藝術環境的形成和他描繪現實的嶄新手法，比其他任何人貢獻都多。這一點是無庸置疑的，印象派的創始人雖說是馬奈，但真正使其發揚光大的卻是莫奈，因為他對風景畫中光影變化的描繪，已到走火入魔的境地。
他對光色的專注遠遠超越物體的形象，使得物體在畫布上的表現消失在光色之中。他讓世人重新體悟到光與自然的結構。所以這一視野的嬗變，以往甚至難以想像，它所散發出的光線、色彩、運動和充沛的活力，取代了以往繪畫中僵死的構圖和不敢有絲毫創新的傳統主義。
愛德加·德加（Edgar Degas,1834-1917) 印象畫派代表人物
德加的重要性在於他的抽象的形式和色彩的感覺，在這一點上他超過了其它的印象主義畫家。

在巴黎出生和去世的德加是銀行家之子，生來便是大資產階級。他對古典主義的濃厚興趣和他行為的謹慎似乎與出身十分合拍。不過，他那異常強烈的個性和獨立自主的思想卻又把他拋入革命陣營。
他在美術學院安格爾弟子拉莫特的班級里習畫，並且，始終對安格爾極為敬仰。不管他的天才如何演變，他卻從不背棄過去。毫無疑問，這種對於人類創造的崇敬，對於行善的明確意識是其性格的基礎，也是人們指責他的根源。其畫風的演變也比較清楚地表明德加對印象主義採取了一種非常特殊的立場。他的繪畫作品都無可爭辯地面對著素描嚴謹、古典之極的藝術。這種手法漸漸地讓色彩占據越來越重要的地位。不過，這種色彩始終為現實主義服務。天才的德加賦予它以擴大的視野和獨特的畫面布局，並永遠地離開了學院主義，其作品意義遠遠超過人們在印象派中給予他的地位。
奧古斯特·雷諾阿(Auguste Renoir，1841-1919)

雷諾阿基本上是一個人物畫家，而且一直是最偉大的色彩畫家之一。
最初與印象畫派運動聯系密切。他的早期作品是典型的記錄真實生活的印象派作品，充滿了奪目的光彩。然而到了（18世紀）80年代中期，他從印象派運動中分裂出來，轉向在人像畫及肖像畫，特別是婦女肖像畫中去發揮自己更加嚴謹和正規的繪畫技法。

在所有印象派畫家中，雷諾阿也許是最受歡迎的一位，因為他所畫的都是漂亮的兒童，花朵，美麗的景色，特別是可愛的女人。這些都會立刻把人吸引住。雷諾阿把從他們那裡所得到的賞心悅目的感覺直接地表達在畫布上。他曾說過：「為什麼藝術不能是美的呢？世界上丑惡的事已經夠多的了。」他還是女性形象的崇拜者，他說 「只有當我感覺能夠觸摸到畫中的人時，我才算完成了人體肖像畫。」

雷諾阿在印象派繪畫集團中是屬於較年輕的一個，比莫奈也小一歲。這位藝術家一生的作品大多以明快響亮的暖色調子描繪青年婦女，尤其是她們的裸體形象。他以特殊的傳統手法，含情脈脈地描摹青年女性那柔潤而又富有彈性的皮膚和豐滿的身軀。他雖也畫了不少外光風景畫和天真無邪的兒童形象，然而裸體與婦女形象占據他一生作品的主流。他的人體油畫不同於以前學派畫家所追求的那樣虛偽和做作。雷諾阿的女人體，洋溢著一種歡樂與青春的活力，一個個都象是伊甸樂園里從未嘗過禁果的夏娃，她們悠然自得，魅力惑人。

雷諾阿運用印象主義的原則，創造了一個美好的夢幻般的世界，一個新的「愛神維納斯之島」，然後把它送到十九世紀末的巴黎。這幅《紅磨坊街的舞會》集中體現了他所處的那個最具有印象主義精神的時刻。雖說這幅畫描繪的是一個飄渺的仙境，可裡面的人卻穿著當代的服裝。男人們都戴著高帽或草帽，女人們均穿著用箍擴撐著的裙子和腰墊。在這幅畫中，一個室外的波希米亞舞會的平凡景象，變成了美麗的女人們和殷勤的男人們的充滿光感和色彩的夢。一束束光線，忽隱忽現地在人物的色彩形體上搖拽著——有藍的、玫瑰紅的和黃的，細部交融在浪漫的煙霧之中，使得所有這些愉快人們的美感柔和起來，並提高了這種美的價值。

雷諾阿起初追隨畫家庫爾貝，非常同情和支持庫爾貝對學院派藝術的對立。他自己也嚴格遵循現實生活，善於在尋求印象派的光與色之中和歐洲的古典傳統畫法相結合。由於他年輕時在瓷器廠作過學徒，故在人像創作中運用了這種細膩的工藝手段。在與印象派畫家合作以前，他在官方沙龍展出過一幅以雨果的小說《巴黎聖母院》的主人公為題材的風俗畫《埃絲米拉達》，畫她在聖母院廣場上跳舞賣藝的情景。但過後他覺得自己過多地摹擬前人畫法，毫無個性特色；盡管有沙龍給他以好評，他總覺得愧對於自己的藝術追求，悄悄把這幅畫撕了。

自從追隨庫爾貝的繪畫以來，他的畫能放開一些，可是從構圖上看，無論所選人物和畫上細節，仍然存在摹仿庫爾貝的性質，盡管畫上的女神形象是取民間婦女作模特兒的，後又遭到沙龍的拒展。走人家走過的路這不是他心甘情願的事。雷諾阿從馬奈的《草地上的午餐》一畫被謾罵之中悟出一條真理：迎合官方展覽，將永遠是自己藝術的絕路。要尋求新的道路那就必須敢於接受挑戰。

1870年，雷諾阿已29歲，事業上還未露頭角，經濟上又處於拮據狀態，不時要光顧當鋪，不得不多次地從一個閣樓搬到另一個閣樓。就在此時期，他去阿讓特依，跟隨莫奈去戶外寫生，去理解和感受大自然中的光色效應。

《青蛙塘》就是他跟隨莫奈到巴黎近郊的一個風景區畫成的。這個"青蛙塘"離塞納河不遠。當雷諾阿與莫奈一起在那裡作畫時，已知附近有一家為福奈斯大爺開設的飯店，莫奈是那裡的食客。他倆一同作畫，雷諾阿當然也經常光顧此家飯店。雷諾阿畫《青蛙塘》是完全聽從了莫奈的勸告，著重表現水與倒影的關系。他以這一相同構圖畫了兩幅，試著以清晰的小筆觸來展現光色感受。水面光彩閃動，色彩極易體現出來，視覺印象強烈。這幅畫因而也成了雷諾阿印象主義的"入門"創作。

《包廂》則是雷諾阿正式參加印象派美展的第一次參展作品之一。他一共送去七幅油畫。這幅畫根據他在劇院里所得的"印象"，回到畫室里請人擺模特兒畫成的。畫上前面那個盛裝貴婦是一名叫尼尼·洛比絲的模特兒扮成的。後面手拿望遠鏡的中年紳士形象，則是由雷諾阿的一個兄弟充當模特兒的。有趣的是，印象派畫法也可在畫室內製作，他成功地畫出了劇院一角的氣氛。尤其是畫面上兩個人物的神情，絲毫沒有擺姿勢的痕跡，他們似乎全神貫注地在觀劇，陶醉在此時此刻的舞台演出中。這幅圖版，雖然畫框四周被切割了許多，只突出包廂里那個貴婦人的形象。由於雷諾阿渲染了色彩氛圍，使觀者從中能感受到劇場觀眾的氣氛。貴婦人那張化了妝的臉容與後面那個男紳士，形成鮮明的對比度。《包廂》的色彩基調是暖色。它由玫瑰、黑、白三色組成。貴婦人身上的黑條紋衣服異常顯目。這些粗闊的黑條子與她的白色相間的淺色，恰好與紳士身上的黑色外衣與白色襯衫相呼應。運用黑色，在印象派畫家中本來是犯忌的，因為外光很難體現純黑。可能雷諾阿是用小筆觸，逐步地添上去的，所以絲毫無斧鑿的生硬感。

肖像畫在歐洲畫史中有過一段相當長的繁榮階段，而印象派畫家的肖像作品更富有色彩的活性。雷諾阿的肖像畫就深得後學者們的贊賞。雷諾阿是以畫女性裸體著稱的。他對女人體的熱愛早從普法戰爭以後就開始了。戰爭期間，他參加過騎兵隊。當和平一宣布，他立即丟下馬槍，回巴黎重操舊業--坐在畫架前用畫筆去創造他所鍾愛的肖像畫去了。

19世紀70年代印象派最著名的肖像畫，就是這里要欣賞的三幅畫。
《莫奈夫人像》作於第一次印象派畫展舉辦期間。當時他跟隨莫奈，共同創建了印象派"沙龍"。在這幅畫上，對光色的追求使雷諾阿幾乎入了迷。坐在草地上的莫奈夫人及其兒子，完全沐浴在一種和煦的陽光中。她的衣裙在黃色的草地上接受陽光的強烈反射，因此畫家只用淡淡的玫瑰色來鋪陳，用筆相當簡練。

《莎瑪麗夫人像》是兩幅同名畫中最精彩的一幅。這位在巴黎沙龍中經常露臉的著名女演員，也是上流社會的風流名媛，她名叫珍妮·莎瑪麗。這幅胸像完全採用印象派技法的碎筆觸，將年輕的美人處理在一種光色的氛圍中。她左手托腮，正面對著觀眾，豐滿的胸部已被強烈的燈光所渲染，輪廓已是不很明晰了。不能低估雷諾阿的陶瓷畫工出身，因為那種對透明顏色的表現能力對他個人的風格有很大影響。雷諾阿畫過不少著衣和裸體的肖像，但他從來不賦予他的肖像以任何思想性。他用一種真摯的觀察者的情感去探索新的塑造形式。他把一切可塑的細部，以三棱鏡分析光譜的原理，打碎成無數色彩的小筆觸，相互並列地塗到畫布上去。

《亨利奧夫人》的肖像畫上（1876年作）看到了他所運用的這些早年從陶器藝術中學得的手法。亨利奧夫人恬靜地坐在那裡，色調是極其柔和的，色彩的純凈透明，給人以一種充滿著霧一樣的大氣感覺，把周圍的一切都融合了。如果稍離這位夫人遠一點，就會產生一種捉摸不定的色彩幻境，說不清人物是在一種什麼樣的環境里。背景幾乎和這位嬌美的形象混成一體，而臉部卻刻畫入微。給人以起伏感的胸部不是靠平塗，而是以多種細筆觸的調和色構成的。

這是畫家在這一時期的造型特色。 雷諾阿被看成印象派，是他在印象派畫展上展出過幾幅畫。其實，他在21歲進格萊爾畫室時，是拜倒在古典主義的腳下的。1874年，從他參加首屆印象派聯展後，才決定了他的基本傾向。不久，他又脫離了印象派，轉靠沙龍並獲得成功。在雷諾阿的全部人體作品中（估計大約有4000幅），沒有絲毫陰暗和不安的調子。由於他作為印象派畫家而受到政治上的攻擊，並給他的道路設置了許多障礙，使他早年的經歷充滿著苦難。

從41歲起，他經常生病。在他生命的最後15年中，他受關節炎病痛的折磨，幾乎離不開輪車。他得把畫筆捆紮在變硬了的手上才能畫畫。令人驚異的是，他這時的作品中沒有留下一絲個人痛苦的痕跡。他的藝術總是肯定著生活的美。他本能地選擇他所熟悉的那些快樂事物：街道生活、鄉村景色的恬美、鮮花或水果、鋼琴前的消遣性演奏家、健康而充滿著青春活力的女人體。他對於小孩似花一般的嬌嫩特別敏感。他對周圍的生活有非凡的鑒別力。陰影和悲痛是全部被他排除在外的。

晚年，病魔使他不能擴大自己的視野，從而在畫人體的題材上進入了一個死胡同里。盡管如此，對他的探索作輕率的評語是不適宜的。雷諾阿不是一個輕浮的藝術家，他的藝術始終讓人們看到生活的快樂和甜美的一面。

在雷諾阿的繪畫中，一個重要領域是肖像。正如我們在欣賞《亨利奧夫人》肖像中所注意到的，色彩的純靜與透明是雷諾阿的肖像畫的一大特色。70年代時，雷諾阿畫了幾幅最成功的肖像，即兩幅《維多·肖凱像》（1876年）、兩幅《莎瑪麗像》（1877年）和這里要欣賞的一幅多人物肖像畫《夏班提埃夫人和她孩子們》。正邁入藝術生涯的全盛時期的雷諾阿，其個人生活還未走運。貧窮使他不得不和莫奈合種一塊土豆田，以出售土豆來糊口。第一次印象派畫展遭到社會的冷嘲熱諷後，第二年他拿出《煎餅磨坊》等14幅風俗畫，也招致不少非議。有人在《費加羅報》上以教訓的口吻寫道："要向雷諾阿先生提醒，一個女人的身體不是一堆有著已徹底腐爛了的屍體的綠色、紫色斑點的爛肉"。當然，為他辯解的正義人士也大有人在。可是為了生計，他也不得不為別人繪制大量肖像畫。

在肖像畫上他賺回了聲譽。上述幾幅肖象畫，就是當時的例證。維多·肖凱是雷諾阿的一位藝術的崇拜者。他頗有鑒賞見地，但他只是一個巴黎的公務員。雷諾阿和塞尚都為他畫過肖像。《莎瑪麗像》是畫家為女演員珍妮·莎瑪麗所繪的最精緻的兩幅肖像，一幅是全身像；另一幅是胸像。在這些肖像上，色彩充滿激情和熱誠。

這一幅《夏班提埃夫人和她的孩子們》是他70年代的成名之作。
夏班提埃夫人是一位著名的出版商的妻子，社交界的名流，沙龍的女主人。她廣交文藝界知名人士。常在她的沙龍作客的有作家左拉、莫泊桑、福樓拜、愛德蒙·龔古爾、屠格涅夫等人；藝術家有亨納、卡羅勒斯·丟朗等。雷諾阿很快也成了她的沙龍中的常客。畫家就在那裡認識了當時的名演員珍妮·莎瑪麗。此畫系受夫人的預訂而繪製成的。
充分發揮了他那根底深厚的造型技巧，這是他在年輕時從格萊爾畫室學藝時取得的，他為之感激不盡。以空間寬廣的室內環境和襯托這位夫人與兩個天真的女兒的精神狀態。夫人坐在孩子們的右邊，悠閑恬適地注視著兩個女兒。孩子的純真表情描繪得很生動，兩個人似乎在異想天開地對話。左邊一個女孩正坐在一條大狗的背上。整個畫面洋溢著一種富裕家庭所特有的天倫情趣。背景為棕紅色，人物間的衣服色彩有強烈對比，夫人的黑色衣裙壓住全局，使左邊兩個孩子的天藍、白相間的裙子更顯跳突。
這幅畫在1879年的巴黎沙龍中獲得了好評。雷諾阿也從此有了生活轉機。他獲得1000法郎的酬金，這對當時這位貧困的藝術家來說，似乎是天降甘露，而且從那時候起，向他訂制畫像的主顧接踵而至，經濟上的轉變自不必說了。雷諾阿除了為夏班提埃夫人畫過肖象外，還為這位夫人的母親以及夫人的女兒們畫過單獨的肖像。所以沙龍畫展中入選的已不只是這一幅《夏班提埃夫人和她的孩子們》了。盡管如此，雷諾阿也沒有因沙龍的賞識而忘掉自己既定的目標，他珍惜這種真實的生活感受，但也珍惜他長期努力而獲得的對外光的色彩技藝。

雷諾阿從1881年40歲起，到1888年這八年間，是他的風格轉變時期。當他於1879年在沙龍獲得成功後，就開始外出旅行。肖像畫訂貨使他的生活轉貧為富。前半生苦苦地躑躅在巴黎城內和塞納河邊，這一回，他要實現渴望已久的遠行觀光的願望。第一個目的地是諾曼底海濱，後又到了克羅瓦西。1881年春，去了阿爾及爾。是年夏，再赴諾曼底，秋季即登程赴義大利，在那裡走訪了羅馬、威尼斯、佛羅倫薩、那不勒斯、龐貝等地，而促使他的畫風轉變的機制，則是這次的義大利之行。雷諾阿在龐貝參觀古羅馬壁畫時，發現了它單純、濃重和絢麗的色調。那些古代壁畫偏施紅色調，這種紅色屬於濃艷的朱紅色。晚年雷諾阿畫過一幅採用這種"龐貝紅"色調的裸女像。古代壁畫一般用的色彩不多，效果卻極豐富。這使他懂得，一幅畫上的主調往往起著關鍵作用。 1883年，他在法國一家舊書店買到一本屬於14世紀後期義大利畫家欽尼諾·欽尼尼撰寫的《繪畫論》，此書使他入了迷。加上他從義大利學得的古典繪畫色彩單純化的秘密，進一步對前輩大師安格爾的古典主義產生了熱情，所以有的研究者也稱雷諾阿在1881～1888年的時期為"安格爾式時期"，或叫新古典主義時期。他後來在與畫商伏拉爾談起他的藝術傾向轉變的原因時說："1883年左右，我隨印象派已到了山窮水盡的地步。我終於不得不承認，不論油畫還是素描皆已技盡。總之，對於我來說，印象主義是一條死胡同"。
這就是我們在前面欣賞他的《亨利奧夫人》等肖像時所提到的關於他脫離印象派的內因。

這里的兩幅畫《傘》與《鄉村舞會》，就是畫家轉變畫風所出現的代表作。

在《傘》上，還沒有徹底擺脫外光作用下的色彩描繪方法。畫上所表現的是一個巴黎的春日。熙熙攘攘的行人突遇陣雨，於是張開的傘群形成了一種有趣的弧形線網。畫家意識到傘本身在畫上的裝飾趣味。他把這些弧線重疊地畫在畫面的上半部。觀眾通過這些弧形的傘，再往下看到了一幅繁雜熱鬧的景象：前景左側是一位秀麗多姿的年輕夫人，她臂挽籃子，籃內裝著幾頂待售的帽子。後面一個紳士模樣的人，正用眼睛盯著她，想要上前以遮雨的傘來討好這位婦女。在前景的右邊，有兩個趕集市的小姑娘，更小的一個手拿著滾鐵環玩具，眼睛注意著觀眾。在中間，有兩個穿著華貴的婦女站在中景上。前面一個似乎對那個手拿鐵環的小女孩發生興趣；後面一個婦女剛把雨傘打開。這幅畫的人物並不多，但由於交疊處理，傘的弧形線的不同方向以及整個色調氣氛，使畫中的景象顯得異常熱鬧豐富，給人以一種擁擠感。雷諾阿採用了一個主調，即以藍紫色為基調，從而使畫面充滿一種富有節奏的單純感。場景十分動人。春雨綿綿的巴黎街景，給這個擁擠的集市增添了生活節律。

《鄉村舞會》一畫被切割掉多餘部分，突出描繪了一對舞侶。據知，雷諾阿就這一對舞侶畫過好幾幅同一題材不同構圖的油畫。女舞伴的艷麗禮服和男舞伴的莊重的黑色禮服在交互反襯，形成鮮明的對比。畫家把主要精力放在描摹女舞伴的膚色與多褶的綢緞的夜禮服上。為了畫好這個豐滿勻稱的女舞伴，畫家讓當時一位著名的女模特兒蘇珊·瓦朗東作姿式（這位女模特兒由於長期受到印象派畫家們的培養，後來也成了一名畫家）。就總體效果看，《鄉村舞會》更具古典風格，因而也惹惱了一些印象派同道們。但雷諾阿是一個從不滿足於既得成就的人。當他漸漸感到古典繪畫的穩定的線條與他對色彩的強烈感受相沖突時，他又想改變自己的畫風，甚至連題材也改弦易轍了。

《金發浴女》（約1882年）這里的畫風屬於他去義大利游學期間的風格轉變時期，更多地傾向於對象的固有色。鮮艷而柔和的色調，接近於客觀真實。物體的空氣感與光色感被沖淡了。據學者推斷，這幅畫最早的創作動機可能來自他在凡爾賽宮看到的一塊17世紀的淺浮雕。此浮雕系席拉東所作。雷諾阿為此浮雕畫過好幾幅草圖和習作。加上他這時對古典主義的畫法看重些，最後在畫室內完成了這樣一幅構圖嚴謹、人體質感表現得充分的裸體畫。從裸女的一頭細密流暢的金發，明快的膚色，精確而柔順的線條來看，此畫一直被人們視為雷諾阿在新古典時期的一幅代表作。

雷諾阿所畫的女人體，在後期的數量要大大超過前期，而且質量也高。他畫的女裸體，往往具有魯本斯畫上的那種容光煥發的特性，又具有豐腴的官能美特色。畫家喜歡把女人的肌膚畫得有如珠光一般柔亮光潤。有時，女人體頭發蓬鬆，眉宇間還散發出一種青春盪漾的風韻。有時又顯得天真未泯，而健康成熟有餘。少數女人體作品還帶有某種野性的單純。總之，他的人體畫風格，與他本人的性格與生活似乎對不上號。如這幅《浴後的女人》（1888）上的女裸體，玫瑰色的膚色顯示了少女的壯實和健美。極細瑣的筆觸組成了這個女性豐滿柔滑的皮膚表面。她那富有彈性的、充滿誘惑力的女體形象是無法與雷諾阿當時自己的生活現狀聯系起來的。

這位畫家的全部熱誠都付諸於他的筆端。1894年，雷諾阿患上了風濕性關節炎，年過半百的畫家深感病魔之苦。此後幾年每況愈下，至1903年，他不得不遷居到法國南部普羅旺斯的卡紐去療養一段時期。那裡有著南方的溫和氣候，也許對他的病體有利。他也曾多方求醫，膝蓋、腳、手，幾處都開過刀。初時還可以撐著拐杖走路。1910年後，他下肢癱瘓，只得終身與輪椅作伴。至1912年，一度全身癱瘓，經過治療，略有好轉，上身已恢復了生理機能。可是就在這樣不幸的病痛時期，他卻強抑止住肉體的折磨，坐在輪椅上畫出大量表現女性青春美與充滿生命歡樂的裸體畫來，確是令人感動！雷諾阿在後期所畫的女人體，能真實地展現人體豐富細膩的色彩和肌膚質感。鑒賞他的人體畫，會使人感覺到這些皮膚下面的血液在流動，滋潤的膚色，現出粉紅的肉色。

據說是雷諾阿後期最喜用的一個模特兒，名叫加布莉爾。畫家有時讓她扮作洗浴、擦腳；有時讓她裝扮成不同身份的婦女，帶領著小孩；有時讓她穿上粗布衣服，或讓她讀書等。至於裸體的形象，一般都置於晴天麗日之下。陽光充足，以便在柔和的自然光色中展現年輕婦女晶瑩光滑的皮膚。

『叄』 怎樣用PS將風景照變成風景畫

用PS將風景照變成風景畫：

第一步：打開第一張素材，按ctrl+j復制圖層。

注意：最簡單的方法就是講彩色圖片去色轉為黑白，復制圖層，將復制的圖層副本和原圖層的圖層混合模式設置為變暗，然後對復制的圖層副本執行高斯模糊濾鏡，濾鏡具體數值可以邊觀察邊設定。

『肆』 如何拍出好看的照片

1、取捨

想要拍攝簡單美的照片，首先要學會取捨，同時這也是最容易忽視的。很多攝影初學者在拍攝照片時，都會注重取景美觀，容易找不到主題，照片重點不突出。

4、統一色調

色調的統一對於簡約風的拍攝尤其重要，但是這也是最簡單易學的。就像我們在搭配衣服的時候，要注意全身不超過三個顏色，攝影也是一樣，照片的顏色越單調越好，從而提高照片的干凈度，讓人看了舒服。

『伍』 色彩風景怎麼畫

1、落筆前觀察圖片是左右結構，但右邊的河岸物體面積太小，為了使畫面左右平衡，將右邊的面積增大。遠景含糊不清需主觀把層次理清楚。房子可分為近中遠三組，將遠處的房子壓低加強空間縱深感。

(5)小度找出衣服畫風景圖片擴展閱讀：

風景畫通俗地說是以風景為題材的繪畫。中國畫中的山水畫屬於風景畫，但不用此概念。該詞約在20世紀傳入中國，僅使用於西方傳入的油畫、水彩畫等。西方的油畫風景、中國的山水畫最早只作為人物畫的背景，以後才逐步發展為獨立的畫科。

畫風景畫是孩子的繪畫作品從稚嫩慢慢走向成熟的必經之路。幼兒時期的風景畫一開始很少有實際景物的描繪，只是畫主觀印象中和想像中的景物。孩子慢慢地成長，對周圍的客觀事物、景象能夠進行認真觀察、比較了，加上自己的主觀感受，才能較真實地畫出想表現的對象。

為了更多地增加孩子的繪畫素材和更好地提高繪畫能力，應該經常帶孩子去畫寫生畫。當我們面對的景象較為復雜和煩瑣，使人眼花繚亂而無從下手時，可對所看到的事物進行刪減，移動，取自己所需，使畫面主題更明確。

『陸』 出遊時，穿什麼衣服才能拍出美美的照片

首先你應該是個女生吧、、、男生的話是不會在乎這種問題的。嘿嘿。
如果你個子比較修長推薦穿波西米亞風的碎花長裙，非常非常漂亮，並且適合古鎮這種味道。
如果是矮胖型的話。。。o(╯□╰)o。。。 那 穿個牛仔中褲 帆布鞋 白T+烏鎮的藍印花布方巾 也很贊的。
另送烏鎮攻略一份：
先坐火車到杭州，然後坐公交車去杭州九堡客運中心，杭州九堡客運中心有車直達到烏鎮的 平均40分鍾一班車 車票28元 1個多小時就到烏鎮了
烏鎮是一個古鎮，玩的地方不是很多，但是風景很美。
那裡有矛盾的故居和典型的江南古建築。房子很舊，小橋很多，小河很長，江南美女也不少...
烏鎮東柵門票是100 西柵白天是120 西柵晚上是80 聯票是150
我感覺東柵比較小 這100元的門票不是很值得 西柵很大 也很漂亮
看完兩邊覺得東柵西柵都長得一樣...全是一樣的房子...
所以如果你們想經濟實惠一點就只去看西柵的夜景好了 還便宜 只要80
景點都在東柵和西柵景區里，買了大門票就不用景點票了...
現在東柵不能逃票了，有保安嚴控著，抓到會警告罰款的。東柵早上有清場就是為了防止遊客夜宿那邊，或者是遊客在未開門前偷偷進入。而西柵不可能有類似情況。
個人覺得雖然西柵屬於後期旅遊局改造，但干凈好玩。東柵則有些陳舊亂七八糟的，花一個上午或中下午把那裡的景區都游覽一遍就好了。
也即是說路線的話就是白天玩下東柵 晚上去看西柵

『柒』 畫服裝效果圖怎樣提高速寫能力

在這里,我不想復制網路上那些長篇大論的速寫文章或煩瑣的圖片給你，因為那些文章和圖片，實在有太多不需要看的地方，不單你沒有耐心看，別人也沒有心情看。何況，為什麼偏偏要把原本不難懂的學問，講到很深奧似的，用來嚇唬人家。
素描，簡而言之就是單色畫。卻又不盡然，畢竟素描涵蓋與牽連的東西太多，解決的問題也太多，素描過程是同一時間要考慮許多問題的綜合思維活動。當今美術院校各專業都把它作為基礎課，雖然各專業的側重點不同，油畫重體積、調子，國畫重線條，版畫、設計重結構等；但素描的共性是差不多的。同時，素描作為獨立的藝術種類，自有其獨特的藝術價值，當然，專門的素描藝術家並不多，大都是兼職者，如諸位大師們，他們寥寥幾筆的創作草稿就已經價值不菲，你根本不用分是基礎性強的速寫還是獨立的藝術品。這些即便看似寥寥幾筆的素描作品，其後面的功力也非常了得，有時隨便一條起伏彎曲的線條，體現的卻是藝術家對形體、結構、特徵、節奏、韻味、藝術史的深刻理解與掌握，於其背後的艱辛也自然不言而喻了。

下面談談本人對素描的理解，又或者可以說是十幾年來教與學的體會。下面幾部分有內容上的交叉，這是素描的綜合性決定的，每一部分只是素描綜合體中的一個理解側面，它們的關系是分解與重組。

1. 理解多少就能表現多少

總體來講，素描是很理性的，素描的過程是腦、眼與手高度結合的人的活動。大腦是總指揮，充實的理性顯得尤為重要；眼睛偏感性，生動、鮮活，但常常出現片面與誤差；手只是實現腦眼商量的結果的工具，只要聽話就行了，屬於技術類（當然還有其它工具）。所以大腦要不斷地學習與思考，只有思考才會有創新，會思考是人區別於動物的最大特徵。首先，要學美術史，了解美術的發展過程，了解諸大師獨特的成長過程、藝術理念、風格區別及技巧表達，經過不斷評判思考後才能給自己正確地定位，促使自己更好地發展，從而避免茫然失措和重復浪費；學習素描就不能不學習達?芬奇、米開朗基羅、拉斐爾、丟勒、魯本斯、康伯夫，僅僅知道契斯恰科夫是不夠的。解剖學、透視學誕生給素描注入了更多的科學理性因素，而解剖學、透視學這兩門學科就需要花時間精力去學習與掌握，比如：表現一個人，僅僅了解表面的輪廓起伏而不知道其下的骨骼構造、肌肉走向作用及視覺上的透視變形是不行的；每畫一條線、一個起伏都要能體現解剖學和透視學知識，這些內在知識能使素描作品更深刻、更完整。構圖知識使素描作品更趨於完美和個性化，更有畫面感、更有藝術性。對結構、特徵、比例、形體、朝向、節奏、對比、點、線、面等要素的熟練運用與駕馭，無疑對素描的充分表達起到深度與廣度的關鍵作用，幾何概念的把握與深入塑造技能又起到畫面的宏觀與微觀的調控作用。照相機的發明、網路時代的來臨使素描從客觀的世界中解脫出來，從而更關注後工業化人的思想情感的無限空間，素描更呈現多元風貌。

顯然，擁有如此豐厚的知識儲備，你就要做個優秀的指揮家 ，而且要在直覺、激情中盡情地藝術表現。

2. 基礎·能力·素質

素描是造型藝術的基礎，素描學習訓練的目的在於培養學習者正確的認識能力、觀察能力、造型能力、表達能力和審美能力，寬厚扎實的基礎已經成為進入藝術殿堂必備的素質，就如同高樓大廈的根基，厚實、深藏、無華；也像武術中的站樁功，站都站不穩，「功夫」也只是個花架子。初學者學習素描一定得沉住氣耐住寂寞，要能吃苦，要有難度意識，冰凍三尺非一日之寒，古人百步穿楊、庖丁解牛也非一日之功。但光憑理頭苦幹是不行的，要有意識地培養自己正確的觀察與表現能力。觀察方法通常指整體與比較，如：眯著眼睛看大體，在整體中比。而細節特別是精彩的細節卻要瞪大眼睛地近距離觀察，而且你描繪的如是正面，最好從側面或頂部來觀察物象，這樣多角度的立體考察對表現物象的結構、起伏、特徵、轉折是有幫助的；要能敏銳地判斷感悟到表達對象獨特的形象特徵、精神氣質，能從平凡中發現美的形式、美的韻味，並能迅速地選擇相適應的又是自己的方法加以表現、處理。素描作為一種繪畫形式，有其自身的藝術生命力，單憑「基礎」兩字已難以容納素描的全部意義，它不單是打基礎那麼簡單。有時，培養良好的審美素質，可以為一生的藝術活動奠定基礎。

3. 基本功與創造力

基本功好，是不是就創造力強呢？不一定。事實上很多優秀的藝術家的基礎功並不很「扎實」，特別在藝術走出現代派進入後現代的當今，創新觀念成為主流。但在我國，那種只顧埋頭拉車不抬頭看路的純技術「人才」還大有人在，這也可以說是我們基礎教育的一大通病。我們之所以要搞素質教育，現在又要推進基礎教育的課程改革，主要是針對我們人才的創造力的普遍低下這一致命問題的。我們不缺扎實的基本功，而且可以說世界領先，我們缺的是領引世界的原創力。所以，處理好基礎教學與創造性思維的培養兩者之間的關系就顯得非常重要。現在，有必要更新我們的基礎觀，打基礎不只是死記硬背、機械重復訓練，也可以是廣泛的閱讀、欣賞、見識、交流、合作、討論、調查、綜合、比較、懷疑、探究、想像、創造、逆向思維、發散思維、打破常規等，在日常學習生活中逐漸培養創造力。打素描基本功與訓練創造力應該是可以同步的，因為素描負載著全部有價值的藝術信息，也包含創造力，藝術的本質就是「創新」，回顧一下美術史就清楚∶只有具備創新價值的藝術家才能被記載。所以，要做個學藝上的有心人。

4. 關於主動性

學習素描的主動性，一是指行動上的積極實踐，二是指思維上的勤於探索。二者合二為一，光說不練不行，光練不想也不行。我們常說某人學習很主動、作品很有想法，就有這意思。即使是初學素描，也不能純客觀地再現，一定要加入自己的主觀感受、理性理解和主觀處理。以通過學習素描來感受生活、認識藝術。要用自己的大腦來思考，要用自己的眼睛來看世界。主動性是一種學習狀態，一種會自覺尋求各種方式獲得知識、能力的方法，要珍惜利用書店、圖書館、網路、美術館、博物館等學習資源，不要太依賴你的教師，要能積極自修，勤於動腦，放眼世界，要會主動地對各種信息進行知識分類、歸納、批判、取捨。在多元中不迷失自己，在前進中不斷學習。

5. 到位與拉開

「到位」的內容包括構圖、結構、特徵、形體、比例、朝向、節奏、力度等等，到位是一種基本功、一種能力，它同我們通常聽到的「准確」、「逼真」的意思並不完全相同。「到位」更多地是指主觀感受、藝術上的到位，層次要高一些，主觀的發展空間也大些，就是「真實」也只是藝術上的真實。「拉開」則是一種人文素質，一種主觀手段，「拉開」的內容包括∶藝術語言、形體特徵、黑白灰、主次、虛實、強弱、剛柔、濃淡、曲直、前後、疏密等，是更高意義上的簡化與歸納，它比「到位」又更加主觀、自由，是藝術家個體主觀能動性的精神表現，是一幅成功素描作品的重要指標，是風格的俗與雅、格調的高與低的主要區別所在。

「到位」與「拉開」，相當於客觀與主觀、描寫與表現、豐富與簡練的關系；它們對立統一、相互牽扯；過分的「到位」顯得沉悶、平庸，需要「拉開」來注入生氣與活力；過分的「拉開」又顯得花、碎、簡單，需要「到位」加以整合，難就難在如何掌握這個「度」，或者說「恰到好處」，適當的「過點」也並無壞處。齊白石的「似與不似之間」理論也有這一層意思。

6. 「黑白灰」的重要性

這里強調「黑白灰」概念的重要性，完全是出於多年經驗的明證，因為它的確給我及眾多學生帶來許多好處。將素描或者所有色彩的學習、設計、創作中導入「黑白灰」概括手法，特別對於初學者將有事半功倍好的效果。具體的操作是：將表達的物象，不管有多復雜、多凌亂，在明度上都把他（它）們概括歸納為畫面黑白灰三大塊，這是一種對宏觀整體的主觀把握和有序組織，而任何一塊又包涵許多層次（調子、體面），只是它們必須在「黑」、「白」或者「灰」的絕對統治之下；一般「灰」塊的層面較為豐富，「黑」塊的層面較為簡練，三大塊各自的面積具體而定，但必須得有。這樣就可以很容易地克服畫面的「灰」、「亂」、「臟」等初學者常見毛病，從而使作品的畫面結構更加有力、層次更加分明、組織更加有秩序。

「黑白灰」是一種對畫面主動的整體把握與控制，它的意義可能還會更多。

7. 線條的意義

世上本無純粹的線條，蘇派只承認點的連續排列（面）。然而，藝術就是藝術，是人的精神產物，雖然有科學性，但絕不能等同於科學的「真」，一加一並非等於二，藝術里是沒有標准答案的。線條是主客觀世界反映在藝術家精神世界的產物，線條是視覺藝術最基本的語言，是一種概括和「抽象」，它既古老又現代，而且永遠不會過時；所以在素描世界裡藝術家與線條是形影不離的，一出手就是線，更可以根據主客觀的需要盡情發揮。線條的藝術表現力是非常強的，我們至今無不被千年前的敦煌壁畫中飛天飄逸的線、以及永樂宮壁畫中大氣恢弘的線條所折服。線條不僅表現物象的輪廓、區域、結構、特徵、轉折（形體或兩色之間）、節奏等，還可以表達藝術家的主觀情感，當時的沖動、激情，是一種主觀的高度提煉，有時成為作品中的靈魂所在，於是就有了線的硬實有力、線的行雲流水、線的運動及線的旋律等。線條的運用其實很講究，既理性又感性，並非「外形線」那麼簡單，線條要注意表達出物象的來龍去脈：線的前後穿插、線的粗細強弱，哪裡該用？哪裡不該用？怎麼貫氣、怎麼疏密對比？都有學問。僅一個邊線，就有造型、特徵、空間、虛實、強弱等內涵的體現。線條應該比調子（面）層次高，因為它是藝術家主觀的產物，是一種「精神表現」。

8. 調子是服務者

要端正一個認識∶不要為調子而調子，調子只是形體結構的服務者。就是說，即使用調子要體現內在的結構、起伏，要圍繞形體結構這一中心來進行，反對用似是而非、模稜兩可或者重無用處的調子；調子最好配合線條來運用，線條是外輪廓的高手，調子是表現內形體積、質感、層次的強者；如果線條是建築中的地基框架，那麼調子則是內外裝飾，兩者相輔相成、相互補充、相互促進。以前盛行的蘇派素描，把調子推到至高無尚的位置，什麼只有一個高光不用塗調子其餘全都要塗調子，什麼沒有實際存在的線只有看不見的面啦，這種過於物理、刻板的教學理論體系，使得當時神州一片灰暗、軟弱、無力。在藝術上，過度求科學的真就喪失自己本應有的許多特有的優勢。

不過，調子還有一種功效：可以渲染背景氣氛、調節畫面節奏，使畫面渾然一體，更加美整。

9. 強調「特徵」的意義

在初學素描就導入「特徵」概念，會有一種走捷徑的感覺。「特徵」包括在所表現的物象中，也包括作者所表達的藝術語言、風格。首先，形體結構與特徵結合起來，就可生產「象什麼」的第一印象，如某人看起來像蘋果、像冬瓜、像剪刀，成語中「骨瘦如材」，還有俗稱的「月兒眉」、「三角眼」、「大蒜鼻」、「櫻桃嘴」等等；還可以用「外形特徵」和「內形特徵」來描述；「外形特徵」可借鑒剪紙藝術某些技巧；其它的，如畫面陰影、空白、發須、衣領、布紋等，總之，你認為值得描述的對象及細節，都可以有意挖掘其特徵美；抓特徵美就是人為的主觀突出對象某些與眾不同的特點，或重視某些畫面可視的形，「寧過勿不及」，這樣「嚴重」地對待，促使畫面遠看有視、近看有「形」，大的整體、小的局部都會顯得耐看，有分量。「特徵」的概念，在素描表現中應該是貫徹始終的。

10. 重視「修改」

這里的「修改」類似於一般意義上的調整，所不同的是：調整大都基於常規的循序漸進，而「修改」則是基於主動表現中的果敢、直干；因為敢畫、敢錯，才有「修改」的必要；而每一次的「修改」都是一次思索、進步的過程，有時大刀闊斧的「修改」竟是一種升華、或是一種起死回生。因此，不用怕臟、不用過分地小心謹慎，要敢做敢為；不用擔心留有改過的痕跡，這痕跡應該是前進的足跡。

「修改」是一種腳踏實地的學習態度，一種自信進取的學習探索。初學者常常一錯就重來，總想立竿見影、急功近利、一鳴驚人，卻不知是一種浮躁的表現。

以上諸言，雖然本人屢試屢靈，但也只是一家之言，難免片面、失准；不過也算是肺腑之言，自以為在多元化能夠並存的今天應該還有它的位置，因為，有關素描教學的討論永遠也不會結束。

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初學美術正規訓練范畫速寫

很多初學繪畫者，包括有些已經進行過一些素描訓練的學畫青少年想畫速寫，總感到無從下手。在與這些初學繪畫者的接觸中，我總是盡量告訴他們一些速寫方面的訓練方法，但是有更多同樣需要這方面知識和技法的初學繪畫者，我無法接觸到。他們中有許多人由於學習條件所限，沒有機會接觸這方面的老師。為此，我想借這次出版機會，將自己十幾年來的一些速寫教學心得和方法整理編寫出來，獻給那些有志於學畫的青少年，為他們的學習助一臂之力，使他們在速寫學習的過程中少走彎路，掌握正確的學習方法，接受到較為科學的速寫正規訓練指導。

學畫難嗎？美術教育家徐悲鴻先生曾說過，有中等以上智力的人，通過努力，都能學好繪畫。看來只要肯努力，鑽進去，逐漸摸到規律，原來感到難的問題也就變得不難了。在初學繪畫的青少年中，有的人兒童時代就畫過兒童畫，有的臨摹過卡通畫、連環畫等，有的雖然沒有動手畫過速寫，但一直對速寫很感興趣。這些都是通向速寫專業訓練的良好開端。

速寫是在較短時間內迅速將對象描繪下來的一種繪畫形式，它具有收集繪畫素材、訓練造型能力兩大方面的功能。速寫最能表現出繪畫者敏銳的觀察能力和對物質世界的新鮮感受，畫面生動感人，是速寫的一個顯著特徵。因作畫時間短，在描繪對象時，放筆直取，它可隨時描繪我們周圍生活中的任何物象，特別擅長描寫運動中的對象和轉瞬即逝的動態。速寫描繪的題材遠遠超出課堂上素描練習內容的范圍。所以，常畫速寫能使我們養成注意觀察周圍生活的良好習慣。長期堅持畫速寫，可為日後搞美術創作和美術設計積累下豐富的藝術素材。速寫又是一種鍛煉動手能力的良好訓練方法。我們提倡從學畫階段開始就養成畫速寫的良好習慣。有些內容的速寫訓練又可以理解為素描的短期作業形式，在進行相對長時間的素描訓練的同時，多畫速寫，做到長、短期作業穿插進行，是繪畫基礎訓練的一種良好方法，因此，速寫又是一種對素描訓練的輔助練習形式。

有些繪畫大師，如十七世紀荷蘭畫家倫勃朗、十八世紀英國畫家荷加斯、十九世紀德國畫家門采爾等都是速寫方面的高手，我國許多著名畫家在速寫領域也取得了很高成就，形成了獨特的個人風格。如葉淺予、阿老、黃胄、劉文西、周思聰等。他們中間有的從沒有機會進入正規美術院校學習，而是以速寫作為繪畫訓練的基本形式走上成功之路的。有志於學習繪畫的青少年，只要肯努力，保持高度熱情，勤學苦練，多動腦筋，方法得當，持之以恆，就一定能畫好速寫，為繪畫學習打下堅實的基礎。

速寫要求在較短的時間內畫出所需要表現的對象。所以，以線條形式來描繪形象，是速寫表現中最直截了當的一種方法。線條除了具有描繪對象形體的功能外，其自身還具有藝術表現功能，它可體現出豐富的內涵，如力量、輕松、凝重、飄逸等美感特徵。作者在畫速寫的時候，會不知不覺將自己的藝術個性，通過線條的運用而流露出來。以線造型是速寫中最常用的表現形式。除此之外，線面結合也是常見的形式之一。有時在結構轉折處襯些明暗調子，能增加速寫藝術的表現力，使畫面的氣氛更加變幻豐富。除以上兩種形式外，純明暗的速寫較少見。當然有些畫家因追求自己畫風的需要而作這樣的形式探索也是有的。但這不能成為初學速寫者訓練過程中追求的目標。

本書主要講授速寫的一些基本知識和訓練方法，試圖在初學者對繪畫的一般興趣和寫實造型規律之間架設一座橋梁，願大家一起走進繪畫學習的專業訓練階段。

速寫的工具與材料

速寫用的筆，初學者可選用2B型號的鉛筆或炭筆，因這兩種筆在速寫訓練過程中較易掌握，待有一定基礎後也可用鋼筆和毛筆作畫。
速寫用紙沒有什麼特別講究，70克左右的普通白紙即可，也可用新聞紙（印報紙用的紙），新聞紙適宜用炭筆作畫。初學者可利用各種零散紙練習。現在一些美術品商店出售專門的速寫本，這為速寫練習提供了更多的方便。
另外，外出畫速寫時，應准備一個小畫板或小畫夾。

繪畫是一種將長、寬、深三維空間中的立體物畫到長、寬二維平面的紙面上，但又要產生准確、真實的立體感的表現形式，因而繪畫藝術離不開透視知識的運用。

一般來說，透視形式主要有兩種，即平行透視和成角透視。平行透視是指所畫立方體的某一立面與畫面相互平行，這個面不發生透視消失現象；成角透視是指立方體的相互垂直的兩個立面都與畫面成一定的角度，在畫面上，兩個立面都發生透視消失現象。
視平線是指與人的眼睛等高的那條水平線。心點是指作畫者垂直於畫面上的那一點。

速寫訓練的基本方法

速寫訓練是對學畫者觀察能力、分析能力、理解能力和表現能力的全面訓練。速寫訓練中對觀察力的訓練，不僅要訓練眼睛看得准，還要訓練在作畫時有正確的觀察方法。什麼是正確的觀察方法？一般說來，以我們平時看東西的習慣來作畫，往往是看到哪裡畫到哪裡，這是一種局部的觀察方法，用這種看一點畫一點的觀察方法作畫，不能做到表現對象的本質關系。我們要畫好速寫，就要改變這種局部觀察的習慣，學會整體觀察的方法，養成整體觀察對象各種造型結構關系的習慣。這種整體觀察方法要求在作畫時觀察對象要有整體意識，在畫某一點、某一局部時，不要只盯著一點看，而是要將所畫的這一點、這一局部與其他部位相互比較，對所要畫的局部與其他部位的上下左右關系及它們之間的內在結構關系做到心中有數，從整體關系下筆。這種比較的過程，實際上就是整體分析和理解對象的認知過程。正確的觀察方法，只有通過大量的練習，才能逐步真正掌握。速寫訓練是練眼、練腦同時又是練手的過程。繪畫是一門技藝性很強的藝術，下面就速寫訓練的一般順序及一些學習方法和作畫步驟進行闡述。

一、由簡到繁
初畫速寫，可先從較簡單的描繪對象入手。如一個小木凳，一雙隨便擺放的雨靴，一件掛在牆上的衣服。作畫時先畫對象外形輪廓的大關系，用直線畫出基本形，注意線條的長度比例及各線條的傾斜度。在此之後，再充實些細節。例如畫一張凳子，凳面與凳腿的關系是大關系，而榫頭及局部特徵等都是細節，這些細節可在進一步深入階段逐漸畫完。
「繁」的物象是指結構關系較復雜的對象。如：枝葉茂盛的大樹、衣紋繁多的人物等，作畫方法也和畫「簡」的東西一樣，先從大的方面入手，確定了大的關系後，再充實細部。要將復雜的物體理解為是由各種簡單部分組成的，然後將各簡單部分畫在復雜的大關系之內，這樣完成起來就有條不紊。畫復雜物象較難處理的一點，就是整體與局部的關系。畫各個細部時，要注意到它們各部分之間的關系，同時還要照顧到整體的大關系，不要因描繪細部而使整體顯得瑣碎。只要我們把握好先畫大關系，後充實細部的原則，畫「繁」的對象便不會感到困難。
由簡到繁的訓練從大的題材上講，可先畫花卉，後畫樹木風景，最後畫人物。

二、由靜到動

初畫速寫，應先從靜止的對象畫起，稍熟練之後，再描寫處於運動狀態下的物象。靜止的物體或處於不動狀態下的人，有利於初學速寫者在作畫時能從容地觀察對象，反復比較所描繪對象的各種結構關系，使初學速寫者能在認真研究描繪對象各種結構關系的基礎上下筆。作畫時用線要肯定，線條是為了表達對象的形體關系，交待清楚結構造型而畫的。線條的來龍去脈要有根據，這個根據就是被描繪物的結構。

初學速寫者在作畫時應將所畫的速寫與描繪對象進行反復比較，從而糾正畫得不準確的部位。速寫造型練習的最佳描繪對象就是靜止的物象和不動的人物。我們看到許多速寫范畫，一個輪廓有時有幾根復線。這就是對作品進行矯正而產生的痕跡。

畫動的物象，如動態人物、動物等，需要在掌握一定的靜態速寫的基本功後再結合結構規律、運動規律加以訓練，這樣畫起來就容易得心應手了。有關動態速寫的注意事項及作畫步驟，在後面的有關部分將會闡述。

三、由慢到快

畫速寫並不像我們有些初學者所想像的那樣，下筆如寫草書，一揮而就。因為畫速寫的過程，是一個對形體觀察、理解、表現的造型過程。這一過程，初學者須仔細體會，扎實描畫。逐漸熟練了，畫速寫的速度就會快起來。初學者應先畫慢些，如人物速寫每幅可在45分鍾至1個小時左右完成，以後可逐步過渡到半小時畫一張或一刻鍾畫一張。並且在訓練過程中還要不時的將慢、快訓練方法穿插進行，這樣才能在速寫訓練中既得到扎實的練習，又掌握到速寫的一些方式方法。

四、從描繪有規律的對象到描繪無規律的對象

初學速寫者首先要畫一些有規律的對象，這樣有利於把握造型的准確性，並掌握速寫的一些技巧。描繪有規律的對象，可先畫一些基本形明確的花卉和重復出現的有規律的人物動態。在掌握了一些速寫基本技法之後，再畫一些無規律的對象，如雜亂無章的灌木叢，轉瞬即逝的不規則的人物動態。有規律的對象較易把握，通過中軸對稱性原則，可以獲得較准確的輪廓。而規律感不強的對象，則較難把握，需要有一定速寫基礎後，方可對之速寫。

五、臨摹與速寫相結合

學畫速寫的過程，應該是臨摹優秀速寫范畫與對著對象寫生相交替進行訓練的過程。臨摹的目的是為了學習前人的技法，如對形象的概括、取捨、交待結構以及一些用筆用線的技巧等等，盡可能在臨摹中獲得體會。另外，類似速寫形式的優秀的線描畫、連環畫都可以臨摹。通過臨摹可以學到一些概括形體、處理衣紋、疏密穿插等方面的速寫技法。另外在初學速寫的過程中還要多臨摹優秀的藝用人體解剖圖譜，以求在臨習的過程中掌握人體的基本結構知識。要做到臨摹與速寫反復交替進行，這樣臨摹才能有體會，才能將臨摹中學到的東西運用到速寫中去，真正變為自己的東西。
速寫關鍵還在於你有沒多練，從畫的過程中揣摩領略出來的東西，才是對自己最為寶貴的哦！
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